Land
Jahr		1968
Länge		165 min.
		(Original: 176 min.)
Farbe
Tonverfahren		Mono
Format		35 mm
		(2.35:1,Techniscope)

			14.08.1969
			November 1983
			03.10.1991, SAT1
			12.4.1998, Pro7 (Director's Cut)
			18.11.2003 (Paramount)
			10.04.2002 (CIC)
			02.10.2003 (Paramount)
			06.10.2005 (Single Edition, Paramount)

> 6000000 Zuschauer

»Und während Claudia Cardinale zum Brunnen geht, fährt die Kamera zum Himmel empor und umfaßt in einer triumphalen Totale den ganzen Film vom Westen, der einmal war, und damit die Geschichte Amerikas. Mutter Amerika, ihrer Herkunft nach vermutlich eine Hure aus New Orleans, hat ihre Söhne, die ihre Rollen bis zur Erschöpfung und zum Tode gespielt haben und tot sind oder auch auf dem Weg in eine neue Wildnis, überlebt und herrscht über viele fleißige Hände, deren Ehrgeiz nach keiner Rolle geht.« (Joe Hembus, Western-Lexikon). Sergio Leone: »Die Entstehung des amerikanischen Matriachats.« (Pardon). Aber als Traum. John Ford steht im Zentrum des Westens und erzählt die Geschichte Amerikas als Tragödie: The Searchers. Sergio Leone sieht von außen in den Westen und erlebt die Geschichte Amerikas als Traum, oder vielmehr als Traum eines Traumes.

»Once Upon A Time In The West ist der Bericht von einer Reise in ein fernes Land. Von seiner Reise hat Leone Bilder des Promised Land zurückgebracht, Bilder einer Sehnsucht und eines Traumes. Er hat diese Bilder mit den Mitteln der Oper verknüpft. Once Upon A Time In The West ist Guiseppe Verdi gleichermaßen verpflichtet wie John Ford. Und indem Leone amerikanische Bilder einer europäischen Struktur verpflichtet, macht er ihre Schönheit erfahrbar als die eines Traumes. Das in jeder Einstellung schmerzlich präsente Bewußtsein von der Vergeblichkeit, den Traum ungebrochen zu reproduzieren, sichert dem Film die Authentizität des Unwirklichen.« (H.C. Blumenberg, Film).

»Der Film ist eine radikale Abkehr von Leones eigenen früheren Western wie vom ganzen sonstigen Italo-Western und in seinen Absichten wie in seiner spezifischen Qualität ein Western, der keine Konkurrenz hat. Sequenzen, wie die beiden Expositionen, die die Figur Bronsons und dann die Figur Fondas einführen, sind ganze Filme für sich und wären früher weder in amerikanischen noch in italienischen Filmen (nicht nur Western) denkbar gewesen.« (Joe Hembus, Western-Lexikon).- »In diesem Film hebt sich die Zeit durch schier endlose Zerdehnung einzelner Aktionen auf; die Bewegung der Protagonisten und die des Films sind nicht mehr, wie im amerikanischen Film, identisch.« (Georg Seeßlen, Romantik und Gewalt). Landschaftstotalen wechseln sich ab mit extremen Großaufnahmen von Gesichtern. Das Montageprinzip folgt der dualen Struktur von harten Action-Szenen und (für den Western unüblichen) sehr langsamen Szenen, die Situationen bis ins winzigste Detail durchleuchten. An der Konzeption solcher Sequenzen, die nach Seeßlen eine »beinahe rauschhaft zu erfahrende Ungleichzeitigkeit bewirken«, war der seinerzeit noch relativ unbekannte Bernardo Bertolucci beteiligt. Bertolucci: »Ich habe mir die magischen Orte und Momente der Filmgeschichte zusammengesucht, die ich am meisten liebe. Ich habe den Film von Leone mit Zitaten gefüllt, von denen nicht einmal er selber weiß, daß es Zitate sind. Es gibt ganze Sequenzen, z.B. der ganze Anfang bis zum Auftauchen von Claudia Cardinale, die Einstellung für Einstellung und Wort für Wort so gedreht worden sind, wie ich sie geschrieben habe. Der Film ist ein bißchen zu intellektuell, aber für mich ist es Leones bester Film.« (Positif).

Die Akteure werden zu Typen stilisiert wie aus einer Western-Galerie: Cheyenne verkörpert den Banditen im alten Stil, dessen Zeit sichtlich abgelaufen ist und der am Ende sterben muß, weil er es nicht fertigbringt auf einen Krüppel zu schießen. Frank ist der eiskalte Killer, der selbst Ambitionen hat, an die Spitze der Eisenbahngesellschaft zu gelangen, aber nicht versteht, daß ein Revolver allein zur Entfaltung von Macht nicht ausreicht. Morton - mit einem Anflug von persönlicher Tragik gezeichnet - ist der Kapitalist, der vor keinem Verbrechen zurückschreckt, um seine Interessen durchzusetzen, dessen Traum, mit seinen Schienen den Pazifik zu erreichen, jedoch in einer Pfütze neben seiner Eisenbahn endet. Harmonika, der Rächer, besitzt überhaupt keine Identität jenseits des Motivs, Frank im Duell zu töten, und so reitet er zum Schluß in das Nichts, aus dem er gekommen ist. Dieses Figurenarsenal, das in den klassischen Werken des Genres Aspekte des Western-Mythos verkörpert, hat in Leones Film seinen angestammten Platz verloren: Das Gute ist dieser Welt ausgetrieben, die Akteure des alten Westerns treten ab und werden ersetzt von der anonymen Funktionsweise des in das Land eindringenden Kapitalismus und seinen gewalttätigen Handlangern. Doch liegt in dieser Beobachtung kein Bedauern und nur wenig Melancholie. Es wird nicht die gute alte Zeit abgelöst, sondern eine Barbarei von einer neuen.

»C´era una volta il West war Leones erster Film, für den er Aufnahmen in Amerika drehte; daß er dabei auch im Monument Valley gedreht hat, haben ihm Puristen als Sakrileg angerechnet - Monument Valley gilt als Ford-Country. Für die Rolle des Harmonika-Spielers wollten ihm seine amerikanischen Geldgeber Clint Eastwood aufzwingen. Leone verpflichtete zuerst Henry Fonda und ließ ihm die Wahl, ob er Harmonika oder Frank spielen wollte: daß Fonda sich für den Schurken entschied, machte dann beiden viel Spaß. Fonda: ›Ich habe jede Minute genossen, Leone ist eine unglaubliche Type.‹ (Dialogue On Film). Bronson für die andere Rolle durchzusetzen, kostete in viel Hartnäckigkeit und den Wechsel von der United Artists, die den Film zuerst machen wollte, zur Paramount. Bronson hatte zu dieser Zeit nur einen geringen Marktwert. Leone, sich an diese Kämpfe erinnernd: ›Charley Bronson? Sie wollen uns wohl hochnehmen?!‹ Leone war es sich selber schuldig, Bronson durchzusetzen: er hatte schon vergeblich versucht, ihn für den ersten Dollar-Film zu bekommen.« (Joe Hembus, Western-Lexikon).

Eines der wichtigsten Elemente in Leones Film ist die Musik von Ennio Morricone, mit dem der Regisseur schon bei seiner Dollar-Trilogie gearbeitet hatte. Jede der vier Hauptfiguren erhielt ein eigenes Thema, gespielt von einem bestimmten Instrument: Mundharmonika für Bronson, beißende E-Gitarre für Fonda, Banjo für Robards sowie Opernstimme und Geigen für Cardinale. Interessant ist, daß der Score bereits vor Beginn der Dreharbeiten fertiggestellt war und Leone seinen Darstellern die Musik am Set vorspielte, damit sie Ausdruck und Bewegungen darauf abstimmen konnten. Die Musik trug zu einem Großteil dazu bei, daß Spiel mir das Lied vom Tod nach einem recht erfolglosen Erststart noch einmal in die Kinos gebracht wurde und dann sensationelle Ergebnisse erzielte. Kassenrekorde purzelten, und in Frankreich, wo der Film teilweise über vier Jahre ununterbrochen lief, setzte er sich an die Spitze der größten Kassenhits und löste sogar eine Modewelle aus. In den USA waren die Ergebnisse weniger befriedigend, denn Co-Produzent Paramount hatte das Werk nach kurzem Einsatz in New York und schlechten Kritiken auf eine Länge von 144 Minuten gestutzt und ihm so jeden Rhythmus und erzählerischen Fluß genommen. Erst 1984 kam dort eine restaurierte Fassung in die Kinos. Mit dem Revolutionsfilm Todesmelodie (1971) und dem Gangsterdrama Es war einmal in Amerika (1984) erweiterte Leone Spiel mir das Lied vom Tod zu einer Trilogie über den Mythos Amerika.